Far East Film Festival 2024, la recensione di Old Fox

di Valeria Morini

Nella Taiwan del 1989, l’undicenne Liao Jie, orfano di mamma, vive con il papà in modeste condizioni. La loro esistenza trascorre placida ed è dominata da un sogno: entro qualche anno avranno risparmiato abbastanza per aprire un’attività di parrucchiere in proprio. Un giorno, la vita del bambino cambia all’incontro con l’anziano Boss Xie, rapace speculatore proprietario del quartiere in cui risiedono nonché del ristorante dove lavora il padre. Con i suoi insegnamenti che lo spingono ad abbandonare empatia e idealismo per abbracciare un individualismo sfrontato ed egocentrico, il magnate diventa una figura di riferimento per Liao Jie, nettamente contrapposta a quella del padre, uomo gentile e premuroso.

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Far East Film Festival 2024, la recensione di Death Whisperer

di Matteo Soi

Uno spirito maligno semina paura e morte in un piccolo villaggio di campagna. Dopo aver tolto la vita ad una ragazzina del luogo, prende di mira una famiglia di agricoltori, più precisamente una delle figlie. Fratelli e sorelle uniti faranno di tutto per salvare la vita alla ragazza e a liberarla dallo spirito. Chi ben comincia, si dice, è già a metà dell’opera. E Death Whisperer comincia davvero bene, con un bagno di sangue che dovrebbe segnare il tono ed il contesto della storia. Siamo in un ambiente rurale, la vita nei campi fa il paio con le superstizioni e le paure con le quali si convive. 

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Far East Film Festival 2024, la recensione di The Movie Emperor

di Valeria Morini

Il cinema racconta se stesso da sempre, in una tradizione che perdura da Cantando sotto la pioggia a Effetto notte, da C’era una volta a… Hollywood a Babylon. E non è raro che lo faccia in modo autoironico, con star del cinema che regalano una sorta di caricatura di se stessi. È quanto capita in The Movie Emperor, commedia con Andy Lau chiamato alla parodia del suo stesso status di superstar. Il film è stato inserito sia nel programma del Far East Film Festival di Udine che in quello del Fescaaal 2024 di Milano.

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Far East Film Festival 2024, la recensione di The Midsummer’s Voice

di Valeria Morini

La tradizione musicale e culturale asiatica è stata un leitmotiv ricorrente della 26esima edizione del Far East Film Festival. Dal teatro popolare giapponese e dal j-pop delle idol di Confetti al mondo dei parolieri di musica Cantopop in The Lyricist Wannabe, non poteva mancare la storica e celeberrima Opera di Pechino, al centro di The Midsummer’s Voice. Si parla di “voce del solstizio” per i giovani cantanti che temono di perdere la propria qualità vocale con l’arrivo della pubertà che rende difficoltoso mantenere il difficilissimo falsetto richiesto in questo genere.

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Far East Film Festival 2024, la recensione del film vincitore Takano Tofu

di Matteo Soi

Padre e figlia gestiscono un piccolo laboratorio di produzione e vendita di tofu artigianale in una cittadina marittima di provincia. Lui è convinto che il suo prodotto debba essere preservato e confinato alla piccola realtà in cui vivono. Lei pensa invece che il loro tofu meriti di trovare spazio in un mercato più ampio e di arrivare ad essere commercializzato perfino in una grande metropoli come Tokyo.

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Far East Film Festival 2024, la recensione di A Normal Family

di Valeria Morini

I remake internazionali sono ormai una consuetudine, basti pensare alla replicazione infinita del nostro Perfetti sconosciuti che è oggetto di rifacimento in decine di nazioni di tutto il mondo. Sta succedendo qualcosa di simile con La cena, romanzo dell’olandese Herman Koch adattato prima in patria e quindi negli Stati Uniti con The Dinner (tra i protagonisti Richard Gere) ma anche in Italia con I nostri ragazzi di Ivano De Matteo (con Gassmann, Lo Cascio, Mezzogiorno e Bobulova). A Normal Family, presentato al Far East Film Festival, ne è la trasposizione sudcoreana, diretta da Hur Jin-ho.

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Far East Film Festival 2024, la recensione di Confetti

di Valeria Morini

In Giappone è chiamato seishun eiga il cinema che affronta temi adolescenziali. Ne è un esempio Confetti, opera prima del regista Fujita Naoya, che l’ha presentato commosso al Far East Film Festival numero 26. Opera di rara delicatezza, ruota intorno a Yuki, ragazzino appena trasferitosi in una scuola di Tokyo. Non è la prima volta che cambia casa: il piccolo si sposta in continuazione con il padre e la sua compagnia di taishu engeki, forma di teatro popolare nipponico.

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Challengers, la recensione del film di Luca Guadagnino

A cura di Francesco Pozzo

I grandi registi si autoritraggono. Difatti, se dovessimo stilare un puntuale ed efficace catalogo del Guadagninopensiero, della sua estetica, del suo sguardo sul mondo, della struttura del suo DNA artistico, nessuno fra gli otto lungometraggi girati sarebbe probabilmente più icastico di questo. Luca Guadagnino infonde visibilmente sé stesso in ogni fibra del suo lavoro: la sua filmografia è radicale e goduriosa, tattile, colta, viscerale, febbrile: è come se tutti i suoi amori e il suo sé più intimo venissero costantemente impressionati su pellicola, e mediante questi riuscissimo a delineare un’accurata schermografia dell’uomo. Un vero, grande autore.

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Un'immagine di Civil War di Alex Garland
Civil War di Alex Garland, la recensione

di Valeria Morini

È davvero così lontano e inverosimile lo scenario di Civil War? La domanda è lecita di fronte al film del britannico Alex Garland che, dopo aver sondato le frontiere della fantascienza con Ex Machina e Annientamento, ci porta in una distopia poco futuristica, specie se ripensiamo all’assalto al Campidoglio del 2021. Siamo negli Stati Uniti travolti dalla guerra civile, dove milizie separatiste stanno per dare l’ultimo assalto a Washington al fine di deporre il presidente in carica. Garland sceglie però di inquadrare il conflitto dal punto di vista di quattro membri della stampa diretti alla capitale per immortalare la caduta della Casa Bianca: alla premiata fotoreporter di guerra Lee (Kirsten Dunst) e al giornalista Joel (Wagner Moura) si uniscono il veterano del New York Times Sammy (Stephen McKinley Henderson) e la giovanissima aspirante fotografa Jessie (Cailee Spaeny).

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Aimless Bullett di Yu Hyun-mok, la recensione

Nel 1999, Aimless Bullett (1961) venne votato come il più grande film della storia sudcoreana. Da lì a poco, la cultura della nazione asiatica sarebbe stata scossa da una rivoluzionaria new wave trainata da registi come Kim Ki-duk, Park Chan-wook e Bong Joon-ho, che ha reso la cinematografia made in Seoul tra le più significative, belle e importanti al mondo. Ma il film di Yu Hyun-mok (in originale Obaltan) resta un grande classico, nonché l’ulteriore dimostrazione di quanto il neorealismo italiano abbia fatto scuola in ogni parte del mondo.

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No Heaven, But Love di Han Jay, la recensione

di Valeria Morini

Se le istanze femministe e la tematica queer sono al centro del cinema di questi anni, non si può dire che No Heaven, But Love non sia pienamente al passo con i tempi. Ma il secondo film della regista Han Jay, presentato nella sezione K-Independent del Florence Korea Film Fest, non è solo un adeguarsi alle tendenze e al dibattito culturale, ma un’opera intensa e profonda, aspra e delicata al tempo stesso.

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Hail to Hell di Lim Oh-jeong, la recensione

di Valeria Morini

Il Florence Korea Film Fest è una piccola oasi di gioia per gli amanti del cinema sudcoreano, una finestra su una delle cinematografie più amate del mondo e, più in generale, su una cultura che sta diventando sempre più popolare. Dall’edizione 2024, Hail to Hell di Lim Oh-jeong, presentato anche in madrepatria al Festival di Busan, è un coming of age che mescola in modo insolito e curioso il coming age e il teen movie con il drama dalle tinte thriller.

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May December di Todd Haynes, la recensione

di Valeria Morini

In sala a un anno dalla presentazione in concorso a Cannes 2023, May December conferma Todd Haynes come autore lucido, personale, rappresentante di un cinema elegante ma mai lezioso o artificioso. Il regista di Carol e I’m Not There (il miglior biopic di sempre?) si cimenta, pur in un piccolo lavoro indipendente dal budget evidentemente risicato, con due stelle del calibro di Natalie Portman e Julianne Moore. Il film è stato sostanzialmente ignorato agli Oscar, che hanno assegnato solo una nomination alla sceneggiatura originale (il premio è andato ad Anatomia di una caduta).

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Dune – Parte Due, la recensione del film di Denis Villeneuve

Di Francesco Pozzo

C’è qualcosa di così profondamente non cinematografico, nel Dune di Denis Villeneuve. Qualcosa che è cristallinamente sintomatico di un problema serio e non certo nuovo: la serializzazione del cinema. Cioè a dire come il linguaggio del cinema, prevalentemente mainstream, venga contaminato da quello delle serie televisive nella forma, nei ritmi, nel contenuto (quando c’è), rifuggendo come una pestilenza una qualunque parvenza di compiutezza: tutto deve continuare ad infinitum, e tutto si regge su ciò che è stato e/o verrà dopo (a tal proposito, e per restare in tema Villeneuve, si veda anche il deludentissimo sequel di Sicario del nostro Stefano Sollima, che grazie a Dio è tornato in patria con Adagio).

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La zona d’interesse, la recensione del film di Jonathan Glazer

A cura di Francesco Pozzo


“Le azioni erano mostruose, ma chi le fece era pressoché normale, né demoniaco né mostruoso.”

(Hannah Arendt)


Ci sono film dai quali si esce consapevoli di non essere più gli stessi. La zona d’interesse, monolitico oggetto liberamente tratto dal romanzo di Martin Amis, è senz’ombra di dubbio uno di questi.

Liberamente perché Jonathan Glazer (uno di quelli che, come Andrew Dominik, gira un film ogni dieci anni per rimettere puntualmente in discussione la grammatica del cinema) ha completamente scarnificato la struttura narrativa del libro (una famiglia come tante; al di là della rete, l’indicibile) per sublimare visivamente, come già in passato ma in modo ancor più asettico, radicale e meticoloso, un’astrazione (parecchie, le somiglianze col precedente Under the Skin, proprio per la metodologia con cui lavora sul perturbante attraverso la combinazione di immagine e sonoro: ormai un suo evidente tratto distintivo). E l’astrazione, questa volta, è il delicatissimo tema dell’Olocausto, che Glazer ha – per l’appunto – astratto così a fondo da rendere la sua quarta opera per il cinema più potente e scioccante di qualunque cosa finora vista, scritta, detta o concepita sulla questione.

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Past Lives di Celine Song, la recensione

di Mirta Tealdi

Past Lives, film d’esordio della regista sudcoreana Celine Song, è un film semiautobiografico. Apprezzato dalla critica, ha ricevuto cinque candidature ai Golden Globe e due ai Premi Oscar. I protagonisti sono Na Young e Hae Sung, due giovani compagni di scuola di dodici anni (numero simbolicamente importante perché ogni dodici anni ci sarà un riavvicinamento). I due ragazzini sono inseparabili, teneramente legati ( i caratteri vengono subito tratteggiati: Na Young è competitiva e indipendente, mentre Hae Sung è dolce e paziente) e passano la maggior parte del tempo insieme mentre tornano a casa da scuola o giocano nei parchi della città di Seoul di cui la Song fa belle vedute con inquadrature angolate e ripide.

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Povere creature!, la recensione del film di Yorgos Lanthimos

A cura di Francesco Pozzo


Mostruoso è chi è nato

dalle viscere di una donna morta.

(Pier Paolo Pasolini)


Vidi il mio primo film di Yorgos Lanthimos nell’ormai lontano 2009. Il titolo era Kynodontas (uscito in Italia, molti anni dopo, come coronamento-contentino del successo mondiale del nostro, con il suo titolo anglofono: Dogtooth), e fui sedotto immediatamente. Mi parve a tutti gli effetti un fulgido esempio di cinema della crudeltà: motivo di solluchero per un ragazzetto solitario cresciuto adorando il cinema di Fassbinder, Ōshima e di tutti coloro che investigavano la crudeltà dei rapporti e dei recessi dell’umana natura senza retrocedere davanti a nulla. Indi, corsi a recuperarmi tutti i titoli precedenti. Famelicamente. Ma rimasi (e lo confermo tutt’oggi) parzialmente deluso; mi parvero film che, a differenza di quel primo, folgorante gioiello scoperto un pomeriggio d’una torrida estate italiana, giravano un po’ a vuoto per il mero gusto di scioccare, senza avere poi troppo da dire. Allora, retrospettivamente, quel Dogtooth mi parve il segno di un’evidente e assai promettente maturazione.

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Al via il Trieste Film Festival, il programma


Appuntamento dal 19 al 27 gennaio con il 35. Trieste Film Festival: la manifestazione diretta da Nicoletta Romeo è il primo festival italiano dell’anno e il principale appuntamento nostrano dedicato al cinema dell’Europa centro-orientale, nato alla vigilia della caduta del Muro di Berlino. Il 19 gennaio la programmazione del Teatro Miela si inaugura con Do Not Expect Too Much from the End of the World di Radu Jude, complessa opera teorica già passata a Locarno con cui il regista rumeno riflette cinicamente sul capitalismo.

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Yannick – La rivincita dello spettatore di Quentin Dupieux, la recensione

di Valeria Morini

Il cinema di Quentin Dupieux è un oggetto bizzarro, tra il nonsense e il surreale. Dai copertoni assassini alle mosche giganti, l’eccentrico e prolifico regista francese mette in scena ancora una volta il suo umorismo nero in Yannick, piccolo film di soli 67 minuti, con budget risicato e girato in appena sei giorni di riprese. L’intero film è ambientato in un teatro dove va in scena lo spettacolo “Le cocu” (ovvero, “Il cornuto”). Almeno fino a quando uno spettatore, Yannick, non interrompe gli attori per protestare contro la scarsa qualità dell’opera e finisce addirittura per prende in ostaggio l’intera sala con il pubblico dentro, dando così il via a una serata a dir poco pazzesca.

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Perfect Days di Wim Wenders, la recensione

di Mirta Tealdi

Vincitore della Palma d’oro per il migliore attore (Kôji Yakusho) all’ultimo Festival di Cannes, Perfect Days è il nuovo film di Wim Wenders. Hirayama (Kôji Yakusho) è un uomo di mezza età, dallo sguardo intenso e dolce e dai sorrisi che fioriscono improvvisamente, sembra felice della sua vita ripetitiva e semplice. I ritmi scanditi dalla sua attività: si sveglia, si lava, si mette la tuta da lavoro con su scritto The Tokyo Toilet (sì, perché Hirayama come lavoro pulisce i bagni pubblici), poi annaffia delicatamente, irrorandole con un nebulizzatore, le diverse piantine che conserva in piccoli vasetti nella stanzetta adiacente alla sua modesta camera. Un luogo frugale negli arredi ma dove non mancano i libri (Faulkner, Highsmith…): perfettamente ordinati in una bassa libreria, e il lettore di musicassette per la sua vasta collezione di pop, rock, e soul degli anni ’60 -’70.

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Il ragazzo e l’airone di Hayao Miyazaki, la recensione

di Fabrizio Guida

Vedendo Il ragazzo e l’airone si intuisce perché Miyazaki abbia aspettato 10 anni dal suo ultimo lavoro, Si alza il ventoIl ragazzo e l’airone infatti è un progetto mastodontico, complice una scrittura molto complessa e un’immersione nella cultura tradizionale giapponese, un viaggio tra il reale e il fantastico in un universo meravigliosamente ricco di contenuti che lo Studio Ghibli fa brillare di una particolare ed emozionante luce.

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Saint Omer: La Medea naufragata

di Giulia Pugliese

NB: Questo pezzo è risultato vincitore al Concorso per giovani critici dedicato a Marco Valerio al Longtake Film Festival 2023, nella categoria over 30

Io e mia madre abbiamo sempre avuto un rapporto conflittuale, non ci siamo mai capite, la vita adulta ci ha allontanate e il contrasto è diminuito.

Saint Omer è un film che parla di un tabù, l’infanticidio e che cosa significa essere una madre tra due culture, quella africana che vede il ruolo della donna solo come madre e quella occidentale, basata sulla realizzazione lavorativa dell’individuo. È un film su un doppio: la protagonista Rama, una francese di seconda generazione, scrittrice, per il suo libro segue il processo di Laurence Coly, una donna senegalese immigrata in Francia che ha ucciso la figlia di 15 mesi. La donna, per diverse motivazioni si riconosce nell’indiziata. Laurence è pazza, è cattiva, è posseduta?

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Foglie al vento di Aki Kaurismäki, la recensione

di Mirta Tealdi

Dopo tanti film violenti e irrilevanti, […] sono l’unico responsabile di questo catastrofico fallimento!

Ecco cosa lo stesso Aki Kaurismäki dichiara (nel suo tipico modo autoironico) del suo ultimo lungometraggio: Foglie al vento (in arrivo nelle sale italiane il 21 dicembre 2023); una commedia sentimentale e tenera in cui prevale lo stile inconfondibile e irriverente del direttore finlandese. Già presentato in concorso al Festival di Cannes, dove ha vinto il Premio della Giuria, ha avuto anche cinque candidature agli Efa.

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The Holdovers – Lezioni di vita di Alexander Payne, la recensione

di Valeria Morini

Sono sempre impegnati in un viaggio, reale e/o dentro se stessi, i protagonisti dei film di Alexander Payne. Un tema che impregna film come Sideways, The Descendants e Nebraska, e che è presente anche in The Holdovers, diviso in una prima parte letteralmente in unità di luogo – tra le mura di un prestigioso liceo americano all’inizio degli anni 70 – e in una seconda che vede i protagonisti lasciare l’interno – rassicurante ma anche soffocante – per spostarsi prima in altri spazi attigui e poi iniziare un percorso on the road.

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Un colpo di fortuna – Coup de Chance di Woody Allen, la recensione

di Valeria Morini

Spesso nella vita basta un colpo di fortuna. Ancora una volta è il caso a regnare nell’universo cinematografico di Woody Allen, che con Coup de chance porta sullo schermo il suo cinquantesimo film, girato totalmente in francese e presentato in anteprima fuori concorso alla 80esima Mostra di Venezia. Se l’ostracismo hollywoodiano costringe il regista a girare lontano dalla sua New York il tocco alleniano non si è perso affatto. Coup de chance è una vera delizia, una brillante commistione tra commedia, dramma e thriller.

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A dire il vero di Nicole Holofcener, la recensione

di Valeria Morini

Siamo disposti a stare con una persona che, al di là dei sentimenti, non apprezza quello che facciamo? L’interrogativo è al centro di A dire il vero (You Hurt My Feelings) di Nicole Holofcener, regista e sceneggiatrice americana indipendente. Presentato già in anteprima fuori concorso al Torino Film Festival, vede al centro la coppia formata da Julia Louis-Dreyfus e Tobias Menzies. Scrittrice lei, psicoterapeuta lui: una vita e una relazione che sembrano perfette, con un figlio 23enne e una stabilità affettiva e professionale. Ma tutto si incrina quando lei scopre una verità che la ferisce: lui, semplicemente, detesta il romanzo che la moglie sta scrivendo.

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Anatomia di una caduta di Justine Triet, la recensione

di Giulia Pugliese

Monica: “Non possiamo sempre capire”. Daniel: ”Ma io devo capire”


Anatomia di una caduta inizia con una caduta di una pallina da una scala, poi si passa a una scena che, anche se non sappiamo nulla dei personaggi, ci sembra molto chiara e che poi ci verrà spiegata e scardinata diverse volte. Il film si basa sulla ricostruzione del suicidio/omicidio del marito di Sandra (l’incredibile Sandra Huller), Samuel (Samuel Theis), ma con il termine caduta ci si riferisce anche alle cadute metaforiche dei personaggi: una moglie insoddisfatta del rapporto con il marito, un marito che cova rancore per il successo della moglie e un senso di colpa nei confronti della disabilità del figlio.

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Il mio amico robot di Pablo Berger, la recensione

di Valeria Morini

Se Philip K. Dick si domandava se “gli androidi sognano pecore elettriche”, Pablo Berger non ha dubbi e ci mostra il mondo onirico di un automa nel tenerissimo Il mio amico robot (decisamente più calzante è il titolo originale, per l’appunto Robot Dreams), presentato già a Cannes 2023 e fuori concorso al 41° Torino Film Festival. Il regista spagnolo conferma il suo eclettismo a undici anni da Blancanieves (anch’esso passato sotto la Mole), che era una curiosa e sperimentale rilettura della fiaba dei Grimm girata come un film muto contemporaneo.

Il mio amico robot è la sua incursione nell’animazione, un cartoon per adulti e bambini che stupisce per la sua estrema delicatezza e poesia. In una New York degli anni 80 abitata da animali antropomorfi, un cane si sente così solo da acquistare un robot da compagnia, ma la loro amicizia è messa a dura prova da un beffardo destino.

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Mary e lo spirito di mezzanotte, la recensione del film di Enzo D’Alò

Nome per eccellenza dell’animazione italiana, Enzo D’Alò incontra Roddy Doyle, scrittore irlandese noto per “The Commitments” o “Una stella di nome Henry”. Il regista napoletano, da sempre aperto all’adattamento delle fonti più disparate (da Rodari a Sepulveda, da Ende a Collodi), ci trasporta nelle atmosfere irlandesi con Mary e lo spirito di mezzanotte, una fiaba per bambini e adulti presentata in anteprima italiana al Lucca Comics & Games 2023.

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Napoleon, la recensione del film di Ridley Scott

A cura di Francesco Pozzo

Anche sforzandosi, è impresa ardua trovare qualcosa di buono da dire su questo film.

Per nulla entusiasmante, sconclusionato e rozzo come pochi, Napoleon è la prova provata che l’ormai ottantacinquenne Ridley Scott (che ha inanellato un paio di titoli divenuti presto e giustamente cult, ma che grande cineasta, in tutta franchezza, non è mai stato) è divenuto manifestamente la copia della copia di sé stesso.

Anzitutto, questo è un film vetusto, che fa sfoggio del digitale e di (spesso pessimi) effetti ultra-moderni ma che è nato vecchio se non già morto; è difatti più che legittimo domandarsi, guardandolo, in che modo questa nuova, esangue e letargica versione delle imprese del condottiero illustre dialogherebbe col presente, e chi mai potrebbe interessarsi, oggi, ad un’operazione di questo tipo.

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